Extraída del sitio del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canarias
Martín Chirino fue el primero en
esculpir el viento sus obras están por callesy museosde todo el mundo, el
nunca olvidó su canaria natal donde está su museo del Castillo de la luz.
Nació el primero de marzo de 1925
en la playa de Las Canteras, Las Palmas de Gran Canaria cerca del astillero
donde trabajaba su padre. Cuando era pequeño estaba maravillado con el acero de
los barcos y se sorprendía que pudieran flotar.
Empieza a viajar por Castilla La
Mancha especialmente porCuenca para
aprender directamente de lo herreros como manejar el hierro y la forja y a
partir de allí utilizará exclusivamente este material en sus esculturas e
introducirá la espiral que es un símbolo de los aborígenes en Canarias, en las
cuevas donde vivían grababan la espiral por todas partes. Chirino trabaja la
espiral en tercera dimensión
como escultura para él era el viento de Canarias. Falleció el once de marzo de
2019.
La Lady Harimaguada es una de las
esculturas icónicas a las que se asocia la obra del escultor grancanario Martín
Chirino. Inaugurada en el año 1996, se levanta en la fachada marítima de la
ciudad., obra acabada en acero y pintada en blanco.
Frédérique se apropia de la obra de este artista a su manera porque es una persona polifacética. ¡Qué suerte tenemos de que esté con nosotros!...
Personaje al rectángulo blanco, 1928
Gouache, carboncillo y lapiz grafito sobre papel preparado.Museo de Grenoble
Tan enigmatico en su forma que en el título, se inscribe
en el marco de las « Pinturas de sueño ».
En un fondo ocre , un personaje ambivalente, mi hombre mi
animal, ocupa todo el espacio de la composición.
El número 5 está caligrafiado con sus altibajos.
La aparente espontaneidad de la obra se contradice con la existencia de un
dibujo preparatorio. Realizado durante un periodo de intensa investigación,
este dibujo revela la tensión presente en el arte deMiró que desea « asesinar la
pintura » sin privarla de sus cualidades plásticas.
Pintura Cabeza (Tête), 1930
230,2 x 165,5 cm
Museo de Grenoble
Un garabato azul, de grandes líneas dibujadas en circulos
rápidamente y una mancha negra, dando la ilusión de un hueco negro, revelando
la violenciaque estimula al artista.
1966-1968: El viaje a Japón
“La negación de todas las negaciones”
En los años 60 se sucedieron exposiciones en París,
Londres, Zúrich y Barcelona. Con motivo de la retrospectiva que le fue dedicada
en el Museo de Arte Moderno de Tokio y luego en Kioto, Miro viajó por primera
vez a Japón en otoño de 1966.
Tuvo la oportunidad de conocer al
poeta Shuzo Takiguchi, que en 1940 había escrito la primera monografía
dedicada al pintor. Le permitió ahondar en sus conocimientos sobre la cultura
oriental, por la que sentía una fuerte atración desde su juventud.
“Me apasionaba el trabajo de los calígrafos japoneses y
eso ciertamente influyó en mi técnica. Trabajo cada vez más en trance”
El
impactose hizo patente en las obras que
realizó en los meses siguiente. Se mostró especialmente cuidadoso en la
elección de los títulos de sus cuadros, dotándoles de un poder de evocación
que entroncaba con la filosofía zen y el estilo de los haikus.
Asismismo, el trazo del pintor acusó la influencia de la caligrafía
oriental.
Sin título 28, 15 de mayo - 5 de nov. 1966
Tinta China en papel japonés
Centro Nacional de Arte G. Pompidou de París
Sin título 26 12 d mayo – 5 de nov. 1966
Tinta china en papel japonés.
Centro Nacional de Arte G. Pompidou de París
Entre mayo y noviembre de 1966, Miró realizó dibujos a
tinta sobre papel japonés, utilizando principalmente bambú. Sobre el inmaculado
espacio en blanco de la hoja, traza con la mayor concisión algunas líneas,
algunas manchas. Para dibujar esta “casi nada” utiliza exclusivamente pintura
negra. La pintura se convierte en escritura. Miró logra la más completa
sencillez en esta meditación aérea sobre el vacío.
Con estas dos tintas realizadas en 1966, año de su viaje
a Japón, Miró alcanzó un ascetismo de extrema lucidez. Hay en ellos una
ingenuidad, un desnudo radical. Miró dice el primer gesto del creador, la línea
original, el origen del arte. Línea siempre ha sido sinónimo de generación en
Miró.
“El trabajo se hace quitando, inmolando posibilidades”
escribió en sus cuadernos Catalanes.
Sin título I, 14 de febrero de 1968
Tinta China en papel japonés
Centro Nacional de Arte G. Pompidou de París
Silencio, 17 de mayo de 1968
Óleo sobre lienzo
Centro Nacional de Arte G. Pompidou de París
En 1968, con motivo de su septuagésimo quinto cumpleaños,
se le dedicó una retrospectiva en Barcelona. El cuadro Silencio trata sobre el
ahorcamiento pero Miró se niega a inaugurar la manifestación debido a la
presencia de funcionarios del franquismo. En mayo de 1968, después de doce años
de vivir en su estudio de Palma de Mallorca, se convirtió más que nunca, según
sus deseos, en un “catalán internacional”. En solidaridad con la actualidad
reivindicativa de la época, afirma que el papel del artista es "transformar
cada una de sus palabras en una negación de la negación, en un resultado de
todas las opresiones, de todos los prejuicios y de todos los valores
establecidos".
Danza de personas y pájaros contra un cielo azul, chispas
25 de mayo de 1968. Óleo sobre tela
Museo Nacional de
Arte Moderno Centro Pompidou de París
En depósito en el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo Saint-Étienne
Entre la abundante producción de Miró de 1968, este
lienzo destaca por su formato alargado y su fondo azul transparente y fluido.
Heredado de las “Pinturas de sueños” de los años 20, el azul representa para el
pintor el territorio de los sueños. Superficie en movimiento, ya no es un
espacio hipnótico sino un marco sensible atravesado por anotaciones con
gráficos vívidos. Dos años después de su primer viaje a Japón para una gran
retrospectiva de su obra, Miró confirmó la lección de los calígrafos del Lejano
Oriente sobre su obra.
Una pulsación de elementos negros y rojos aviva la
vibración del fondo. Tres pájaros se resumen en gruesas pinceladas negras. Los
puntos rojos de contornos borrosos son sonidos estridentes y llenos de energía.
Miró prefería el aislamiento y el silencio a la pintura, pero escuchaba música
y leía libros para mantener su aptitud espiritual.
En esta partitura musical grande, flexible y flotante,
logra crear un equivalente plástico de la música.
Mujer / Femme, 1969
Bronce
Centro Pompidou de París
Personaje, 1970
Bronce a la cera perdida
Museo Nac. de Arte Moderno Centro Pompidou de París
Este Personaje no se asemeja a una actividad de modelismo
sino más bien a una “escultura de ensamblaje” que recuerda el gusto de Miró por
los hallazgos y las materias primas. Si bien estos elementos (en este caso
piezas de madera y metal, el borde de un barril y un grifo) son reconocibles,
Miró no reproduce necesariamente el formato del objeto surrealista. Los
elementos dispares se ponen al servicio de una figura burlona, de un gran
cadáver exquisito. El artista modeló únicamente los miembros inferiores.
Este carácter fálico parece tanto más vanidoso cuanto que
está vacío en su centro. Este gran vientre ausente sólo puede evocar la pesada
silueta de Ubu, un personaje que preocupa especialmente a Miró desde 1966.
Dentro de toda una cohorte de “Mujeres” y “Personajes” masculinos, esta
escultura retoma un ensamblaje surrealista de 1931.
Se convierte en un grotesco arquetipo de masculinidad,
con el que Miró asocia la figura de Franco.
